Zero Mostel

Zero Mostel fue un actor teatral y cinematográfico estadounidense, es un actor (en mi opinión) poco conocido y valorado, pero para mi fue un estupendo actor cómico.
Es principalmente conocido por:

Golfus de Roma (A Funny Thing Happened On The Way To The Forum), y Los Productores, El Violinista En El Tejado.
Mostel nació el 28 de febrero de 1915 en Nueva York (Estados Unidos), y falleció el 8 de septiembre de 1977 en Filadelfia, Pensilvania (Estados Unidos). Nacido en el lecho de una familia "muy" judía (solo con conocer su verdadero nombre, Samuel Joel Mostel). Padre y madre ambos judíos europeos.

Desde pequeño a Mostel siempre le interesó la pintura y el dibujo, convirtiendose más tarde en pintor gracias a The Educational Alliance. Mostel también estudió en el City College of New York, y perteneció al Reserve Officers' Training Corps, donde destacó por su sentido del humor (dato muy importante ya que más tarde se convertiría en cómico). 



En 1935 consiguió su título de grado, continuando sus estudios artísticos y entrando en el programa Public Works of Art Project (PWAP), que le pagaba un sueldo por enseñar arte.
Parte de las obligaciones de Mostel con el PWAP consistían en dar charlas en los museos de Nueva York. En estas conferencias Mostel no escondía sus dotes cómicos, y acabó siendo conocido gracias a estos. Su reputación iba en aumento, y era invitado a reuniones sociales y otros eventos en los cuales mezclaba el humor con los comentarios sociales. Esta última característica jugaría un importante papel cuando fue incluido en la lista negra de Hollywood más adelante.

En 1941, el Café Society ofreció a Mostel la oportunidad de ser humorista profesional y actuar de manera regular. Mostel aceptó, pasando a ser la principal atracción del Café Society. En este local adoptó el nombre artístico de Zero.

El ascenso en la popularidad de Mostel fue rápido. En 1942 su salario en el Café Society pasó de 40 a 450 dólares semanales, actuó en shows radiofónicos, trabajó en dos espectáculos en Broadway, actuó en el Teatro Paramount, e intervino en una película de MGM, entre otras actividades. Además hizo cameos en el ambiente teatral Yiddish. En 1943, la revista Life lo describió como “el estadounidense vivo más divertido.”

En marzo de 1943 Mostel entró en el Ejército, siendo licenciado tras haber colaborado hasta 1945 con la United Service Organizations para dar entretenimiento a las tropas.

Tras dejar el ejército, la carrera de Mostel despegó nuevamente. Actuó en diversas obras, musicales, óperas y películas. En 1946 probó a actuar en una ópera seria, pero las críticas no fueron entusiastas.

Mientras tanto, sus ideas políticas hicieron que fuera investigado por el FBI. Según su ficha en el FBI, Mostel había sido visto en muchas reuniones del Partido Comunista en 1941, y era colaborador del Movimiento Free Earl Russell Browder.

A pesar de su creciente popularidad y de las excelentes críticas, la carrera de Mostel sufrió un alto en los años cincuenta. El 29 de enero de 1952 Martin Berkeley le identificó ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses (HUAC) como miembro del Partido Comunista. Mostel hubo de presentarse ante el HUAC el 14 de agosto de 1955.

En su declaración se negó a dar nombres, y se enfrentó al comité por motives ideológicos, ganándose la admiración del colectivo que se encontraba en la lista negra. Sin embargo, Mostel continuó en dicha lista, y su familia debió pasar el resto de la década con escasos ingresos económicos.

La liste negra en la que estuvo incluido Mostel
(The Red Channels List)

En 1957, Toby Cole, agente teatral neoyorquino opuesto a la lista negra, contactó con Mostel ofreciendo ser su representante. Esta asociación sirvió para revitalizar la carrera de Mostel. El actor aceptó el papel de Leopold Bloom en Ulysses in Nighttowns. Fue una producción ajena al ámbito teatral de Broadway, representada en un pequeño teatro de la Calle Houston, pero las críticas que recibió Mostel fueron muy favorables. Gracias a su actuación, Mostel recibió el Premio Obie a la mejor interpretación fuera de Broadway en la temporada 1958–59.

Tras el éxito de Ulysses Mostel recibió muchas ofertas para interpretar papeles clásicos. Sin embargo, las diferencias artísticas con los directores y los bajos salarios impidieron que dichos proyectos se llevaran a cabo. Por otra parte, en esa época la lista negra iba perdiendo fuerza, y en 1959 actuó dos veces en el programa televisivo The Play of the Week.

En 1961 fue Jean en El rinoceronte, con críticas muy favorables. Con esta obra ganó el Premio Tony al Mejor Actor, a pesar de que no interpretaba el personaje principal.

En 1962 empezó a trabajar con el papel de Pseudolus, personaje del musical de Broadway A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, que sería una de sus actuaciones más recordadas. El papel fue ofrecido en primer lugar a Phil Silvers, que lo rechazó. A Mostel no le interesaba en un principio, aunque finalmente fue convencido por su esposa y su agente. Las críticas fueron excelentes, y el show tuvo un gran éxito comercial, haciéndose un total de 964 funciones, y convirtiendo a Mostel en una estrella. Por el papel ganó el Premio Tony al Mejor Actor en un Musical. Mostel también participó en la versión cinematográfica rodada en 1966.

Mostel y Wilder en Los Productores

El 22 de septiembre de 1964 Mostel interpretó a Tevye en la producción original en Broadway de El violinista en el tejado. El respeto de Mostel por el trabajo de Sholem Aleijem le hizo insistir para que se incorporara al musical el estilo y el humor del autor. Además creó los sonidos Hazzan que hicieron famosas a canciones como “If I Were a Rich Man”. En años posteriores, los intérpretes de Tevye invariablemente respetaban la puesta en escena original. El show recibió críticas entusiastas y fue un éxito comercial, representándose en un total de 3242 ocasiones. Mostel recibió un nuevo Tony y fue invitado a una recepción en la Casa Blanca, finalizando así de manera oficial su exclusión política.

En 1967 Mostel fue Potemkin en Great Catherine, y en 1968 hizo uno de sus papeles más famosos, el de Max Bialystock en Los productores, film dirigido por Mel Brooks. 

En su última década Mostel mostraba poco entusiasmo por mejorar artísticamente, y elegía los papeles fundamentalmente por consideraciones económicas. Como resultado de ello participó en películas en las cuales cosechó críticas dispares, entre ellas The Great Bank Robbery, The Angel Levine, Once Upon a Scoundrel, y Mastermind. Esto ocasionó la devaluación de su figura, y su presencia en una producción dejó de ser sinónimo de éxito.

En los últimos cuatro meses de su vida Mostel siguió una dieta con la que perdió 40 kilos de peso. En los ensayos de la nueva obra The Merchant en Filadelfia, sufrió un colapso en su camerino y fue trasladado al Hospital Thomas Jefferson University. Se le diagnosticó un problema respiratorio, aunque su pronóstico, en principio, fue bueno. Sin embargo, el 8 de septiembre de 1977 sufrió un empeoramiento y falleció por la tarde. Se estimó como causa probale de su muerte un aneurisma de aorta.

Los restos de Mostel fueron incinerados, y sus cenizas se depositaron en un lugar no conocido al público.

Mostel fue un cómico importantísimo y como habeis visto, en sus últimos años fue cada vez más respetado, se le recordara siempre como una persona importante y graciosa.

Aquí os dejo su filmografía: http://www.fandango.com/zeromostel/filmography/p51019

¿Sabías que?

-El 13 de enero de 1960 Mostel fue arrollado por un autobús, lesionándose una pierna. A fin de evitar la amputación, el actor permaneció hospitalizado cuatro meses, aceptando el riesgo de sufrir una gangrena. Aunque consiguió recuperarse, le quedaron secuelas dolorosas de por vida.

-Muchísimos actores y artistas importantes estuvieron tambien en La Lista Negra.

The Jewish Cinema

Woody Allen

Allan Stewart Königsberg mejor conocido como Woody Allen, es un director, actor, humorista etc. Es uno de los judíos más famosos, conocido por sus exitosas y cómicas películas.
Es mayormente conocido por sus siguientes obras:
Annie Hall, El Dormilón (Sleeper), Manhattan, Delitos y Faltas (Crimes and Misdemeanors)...


Allen nació el 1 de Diciembre de 1935 en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos), en el seno de una familia judía de orígenes ruso-austríacos.

Woody estudió hasta los ocho años en una escuela hebrea, y después acudió a la escuela pública de Midwood High School. Durante su infancia, aprendió a tocar el violín, posteriormente se convertiría en intérprete de clarinete, hecho que le ayudaría más tarde en la elección de las bandas sonoras de sus películas.

Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. Fue tanta la emoción que le produjo ver cómo los personajes de la pantalla se movían, que corrió a la pantalla para tratar de tocarlos.

Allen empezó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas. En 1957 se le concedió su primer premio Sylvana Award. A los 17 años tomaría la decisión de adoptar el seudónimo de Woody Allen. Comenzaría a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de director de sus espectáculos en la cadena de hoteles Borsch Belt de Nueva York, donde ya habían trabajado otros humoristas importantes como Jerry Lewis.

El primero en usarlos fue Nick Kenny, columnista del Mirror. Poco después, Earl Wilson, el más leído del New York Post, también usaría algunos chistes de Allen. Inicialmente se publicaron de forma anónima, pero luego se publicaron con el seudónimo de Woody Allen. En 1952, cuando se encontraba terminando la secundaria, comenzó a confeccionar chistes para enviarlos a algunos columnistas de los periódicos de su ciudad.

Con 17 años su nombre ya circulaba por diferentes agencias de relaciones públicas y sus chistes aparecían más en los periódicos. Gene Shefrin, un agente de prensa, se interesó por este joven a quien contrató para la agencia en la que trabajaba.

Su primer contrato lo logra en 1955 en el programa The Colgate Happy Hour, con una asignación de 175 dólares semanales.

Actuó en numerosos locales, apareciendo ocasionalmente en programas de televisión, hasta que finalmente, y gracias a su talante e ingenio, tras una actuación en el local Blue Angel (en 1960), le ofrecieron la posibilidad de elaborar un guion y participar como actor en el filme What's new, Pussy Cat?. En ese año conoció a dos personas que posiblemente han sido las que más le han influido: sus agentes Jack Rollins y Charles Joffe.

Su primera actuación en el Blue Angel fue gracias a una recomendación de Rollins. Ellos veían en Allen un excelente humorista, pero primero debían hacerle vencer su timidez. Esa noche de domingo en el Blue Angel fue un éxito, pero a pesar de eso, tuvieron que pasar dos años para que tuviera suficiente confianza y comenzara a improvisar saliéndose de los libretos que había preparado.

Después de este éxito, a Allen no le costó trabajo encontrar algún estudio que siguiera pagando sus películas. En 1970 firma un contrato con United Artists (productora creada por Charles Chaplin), y comenzaría a rodar su segunda película: Bananas. El contrato con United Artists lo comprometía para rodar tres películas, y el estudio le otorgó a Woody Allen total control sobre su producción, algo que era muy poco usual para cualquier director joven de la época (en aquella época ni siquiera Scorsese, Coppola o Mazursky tenían privilegios como éste).

En 1977, tras filmar El dormilón (1973) y Love and Death (1975), Allen realizó la película con la cual obtendría su primer premio Óscar: Annie Hall.

A partir de ese momento, Allen alcanza el éxito como director y guionista y también como actor, con la realización de películas ambientadas principalmente en su querida Manhattan, siendo uno de los primeros directores estadounidenses en reivindicar a cineastas europeos como Ingmar Bergman.

En 1979 realizó la película que lo consagraría como director, Manhattan; filmada en blanco y negro, con largas e imponentes tomas de la localidad de Manhattan es considerada como un clásico de la historia del cine.

Ha sido nominado varias veces al Óscar y en 1977 recibió el premio como mejor director por su película Annie Hall. Diane Keaton obtuvo un premio Óscar como mejor actriz por esta película.

Tras grabar en París la película, Medianoche en París -un éxito de crítica y público por la que gana su segundo Globo de Oro y su cuarto Oscar, filmó A Roma con amor, que fue grabada en Roma.

Bueno como vereis, Woody Allen ha sido una de las personas más exitosas en el mundo del cine, aquí os dejo su filmografía: http://en.wikipedia.org/wiki/Woody_Allen_filmography

¿Sabías que?

-Su película Annie Hall, es considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine.

-Allen fue un alumno pésimo durante toda su educación.

Firma de Woody Allen

The Jewish Cinema

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick, fue un  director de cine, guionista, fotógrafo, y productor estadounidense. Fue en mi opinión y en la de casi todo el mundo, uno de los iconos del cine más influyentes del siglo XX. Kubrick es conocido por su famoso perfeccionismo y precisión en sus películas.
Es principalmente conocido por sus siguientes obras:
Espartaco (Spartacus), La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange), Lolita, El Resplandor (The Shining), Senderos de Gloria (Paths of Glory) etc.

Kubrick nació el 26 de Julio de 1928, en Nueva York (Estados Unidos), y murió el 7 de Marzo de 1999, en Londres (Reino Unido). Nacido en el seno de una familia de clase media-alta de origen judío. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara réflex. Su otra afición era la música en general, principalmente el jazz.

Estos pasatiempos serían fundamentales para su futura carrera como director. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista Look, donde hizo reportajes fotográficos a importantes estrellas del momento, y donde se labró una reputación profesional. Su gusto por la música, le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor (Las bandas sonoras de sus películas, son verdaderamente una obra de arte). 

Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de 13 minutos, en 1951, sobre la base de un trabajo fotográfico, hecho por él mismo para Look, lo financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló. El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre. El último de sus documentales que duró 30 minutos sería Los marineros (The Seafarers), su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se dedicaría de lleno a la industria del cine. 

Su primer largometraje, y su primer aprendizaje formal con una cámara, fue Miedo y deseo (Fear and Desire) (1953), que financió con 13.000 dólares obtenidos de préstamos familiares. Esa producción fracasó, lo que hizo que Kubrick perdiese dinero. Más adelante también produciría otra película de la misma categoría, aunque al igual que su anterior trabajo, no tuvó mucho éxito, pero Kubrick llamó la atención de James B. Harris, un importante productor de la NBC.

Kubrick se juntó con Harris, para producir su primer éxito, Atraco Perfecto (The Killing), cuyo presupuesto fue de 320.000 dólares. La pélicula contó con un reparto de importanes actores (La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación para la época).
Aquella película atraería mucho la atención de numerosas celebridades de Holywood, la más importante sería la de Kirk Douglas. Su primera película con Douglas, sería la de Senderos de Gloría, y más tarde, el éxitoso Espartaco.

Más adelante, Kubrick trabajaría con numerosas celebridades, lo que le llevó a la cumbre de Holywood. En 1968 Kubrick alcanzaría la cumbre de su carrera con 2001: una odisea en el espacio (2001: A Space Odyssey. La película no solo buscó elevar el estatus de un género menor en aquel momento, la ciencia ficción, que se limitaba a alienígenas antropomórficos y platillos volantes, sino además narrar una audaz parábola sobre la evolución del hombre: una elipse de 4 millones de años.


Más tarde, Kubrick recibio un obsequió de Terry Southern: la novela, La Naranja Mecánica de Anthony Burgess. Kubrick leyó el libro de un tirón y pensó en Malcolm McDowell para interpretar el papel de Alex, aquella película se considero "una perfección en el mundo del cine".

Kubrick se fijó en el escritor de numerosos Best-Sellers de finales de los años 70, y decidió producir un nuevo género en sus películas: el terror. Asi surgio, El Resplandor, protagonizado por Jack Nicholson. En este filme sobresalía sobre todo (en mi opinión) la banda sonora, que verdaderamente daba una gran sensación de terror.

A los 70 años, Stanley Kubrick moría en la cama de su residencia de Hertfordshire, al sureste de Inglaterra, de un ataque al corazón. Su muerte congregó gran interés por parte de la prensa mundial debido a la enorme fama y reputación tanto profesional como el mito personal que ganó durante sus años de vida.

Kubrick es en mi opinión, el mayor director de TODOS LOS TIEMPOS. Sus películas son todas obras maestras, y son consideradas todas muy importantes para el cine actual. Es tambien ganador de numerosos premios, entre ellos un premio Oscar, cuatro premios BAFTA etc.

Kubrick como ya habréis leído, produjo muchísimas películas. Aquí os dejo su filmografía:
http://www.miradas.net/0204/estudios/2003/01_skubrick/filmografia.html

¿Sabias que?
-Como mencione anteriormente, Kubrick es considerado uno de los mayores perfeccionistas de todos los tiempos.
-A pesar de "dedicar" una película a Stephen King, King le parecio la peor interpretación de todos sus libros. (Aunque el público no estuvo de acuerdo, ya que se considera una de las "joyas" del terror moderno)

The Jewish Cinema

Roman Polanski

Roman Polanski, director, productor, guionista, y actor... Polanski es uno de los mayores maestros del cine de Hollywood.
Es mayormente conocido por sus papeles como director en:
El Pianista, Chinatown, y La Semilla Del Diablo (Rosemary´s Baby)

Polanski nacio el 18 de Agosto de 1933, en París, Francia. En el seno de un matrimonio de emigrantes judíos polacos. A pesar de haber nacido en Francia, Polanski es polaco.

Cuando Polanski tenía solamente tres años su familia se trasladó a Polonia para instalarse en Cracovia. En época nazi sus padres sufrieron persecución a causa de las creencias de sus antepasados y fueron destinados al ghetto de la ciudad polaca. El pequeño Polanski fue dejado al cuidado de familias católicas que protegieron al niño mientras sus padres sufrían confinamiento en campos de concentración. Su madre falleció en Auschwitz y su padre pasó varios años en Mauthausen.

Polanski estudió cine en Lodz. Trabajó como actor tanto en el teatro como en el cine, llegando a ser dirigido por Andrzej Wajda. En los años 50 Polanski escribió y dirigió sus primeros cortos, y debutó en formato de largometraje con “El Cuchillo En El Agua” (1962), un tenso y atmosférico drama psicológico, que fue candidato al premio Oscar a la mejor película extranjera. 

Este exitoso comienzo fue el inicio de una carrera que alternó historias de intriga psicológica con trazos de comedia negra, parodias, rasgos surrealistas, adaptaciones literarias o filmes de época con aspectos autobiográficos.

En Gran Bretaña, dirigió dos de sus mejores trabajos, el thriller psicológico “Repulsión” (1965), película con el protagonismo de Catherine Deneuve, y “Callejón Sin Salida (Cul De Sac)” (1966), mezcla de comedia negra e intriga en un escenario aislado.

En los finales de los 60, Polanski protagonizo "El Baile De Los Vampiros" (1967), una pequeña parodia bastante exitosa. Una de las protagonistas de la película, Sharon Tate, sería su esposa en 1968, año en el que Polanski estrenó su exitoso filme "La Semilla Del Diablo" (1968), un nuevo éxito de terror, por está película, Polanski fue candidato al Oscar como mejor guionista.

Al trasladarse los Polanski a California, su esposa, Sharon fue asesinada en 1969, un año después de la boda. Este suceso derrumbo enormemente a Polanski, quien abandono los Estados Unidos, para residir de nuevo en Europa.

Después de los años 70, dirigió y protagonizó muchas películas, entre ellas está "Chinatown" una obra maestra, protagonizada por nada más ni nada menos que Jack Nicholson. Tambien se incluyó "El Pianista" un éxito enorme sobre los ghettos judíos, protagonizado por Adrien Brody. Estas última película le valió a Polanski un Oscar como "mejor director".

Bueno, no hace falta mencionar que Roman Polanski es uno de los mayores directores del cine, y sus películas son una mejor que otra.

Aquí os dejo su ficha en IMDb: http://www.imdb.com/name/nm0000591/

¿Sabias que?

-Después del asesinato de su esposa, al retornar a Europa, Polanski llegó a vivir en: Francia, Suiza, Italia y Gran Bretaña.

-En 1977, Polanski protagonizó uno de los hechos más escabrosos de su vida personal, ya que fue encontrado culpable de violar a una menor de trece años llamada Samantha Geimer.

Huyó de los Estados Unidos para no cumplir condena y pasó largo tiempo intentando evitarla hasta que en el año 2009 fue detenido en Suiza.

Firma de Polanski

The Jewish Cinema

Mel Brooks

Mel Brooks, Actor, director, guionista, productor, compositor... Sin duda es uno de los iconos más desocupados de Hollywood. 
Es mayormente conocido por:
Los Productores, Sillas de Montar Calientes, y El Jovencito Frankenstein.

Brooks nació el 28 de junio de 1926, en el barrio neoyorquino de Brooklyn, Estados Unidos, hijo de padres judíos rusos.


A los 18 años fue requerido por el ejército estadounidense para la Segunda Guerra Mundial, donde tuvo la ingrata tarea de encontrar minas y desactivarlas. Regresó del frente sano y salvo para dedicarse por completo al mundo del espectáculo, escribiendo guiones de cine y televisión.

En 1968 dirigió su primer film, a la postre el más aplaudido de su carrera: Los productores. Brooks ganó el Oscar al mejor guión original y su película fue objeto de numerosos remakes.

El humor de Brooks se definió por completo en los años '70: incluía, a menudo, referencias sexuales, bromas fáciles e ironías sobre los judíos. Pero, por otro lado, el surrealismo con que parodiaba algunas películas míticas le aupó entre la elite de los comediantes del siglo XX. En 1974 dirigió Sillas de montar calientes y El jovencito Frankenstein, por las que obtuvo sendas nominaciones al Oscar.

Brooks elegía casi siempre a los mismos compañeros de trabajo: Gene Wilder (quien ya habiamos aclarado la gran amistad que había entre ellos, en mi anterior post), Harvey Korman, Rudy De Luca, Madeline Kahn, Dom DeLuise y su compositor favorito, John Morris. Sin embargo, muchas veces era el propio Brooks quien interpretaba sus personajes; hasta cinco diferentes encarnó en La loca historia del mundo (1981), donde parodiaba la última cena de Jesús, la inquisición española o la Revolución Francesa.


Con el paso de los años el humor de Brooks empezó a cansar y sus últimos trabajos no tuvieron la misma acogida que los primeros. Brooks continuó riéndose de películas famosas, pero en general la crítica le dio por acabado.

Mel Brooks es un ávido lector de literatura rusa y continúa trabajando aunque ha superado los 80 años de edad. Su próximo proyecto es la adaptación de El jovencito Frankenstein para un musical de Broadway.

Gene Wilder y Zero Mostel en Los Productores

Bueno, aquí tenéis un buen resumen de su vida, aunque a Brooks se le considere como muerto en el mundo del espectáculo  sus películas siempre se recordaran. Brooks ha causado muchísimas risas tanto en jóvenes como en adultos, y a mi también.

¿Sabías que?
-En cuanto a homenajes, en 2009 recibió el Premio Kennedy del gobierno estadounidense, y el 25 de abril de 2010 recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su trayectoria cinematográfica.
-Durante la segunda guerra mundial, perteneció al cuerpo de ingenieros de la US Army.

Aquí os dejo su filmografía:  http://biografias.estamosrodando.com/mel-brooks/filmografia/

Firma de Brooks

The Jewish Cinema

Harrison Ford

Harrison Ford es uno de los mayores iconos del cine moderno. Es uno de esos actores que todo el mundo conoce, y seguro que tu también.
Es mayormente conocido por sus actuaciones en:
Star Wars e Indiana Jones.

Ford nació el 13 de julio de 1942, en Chicago, Illinois, Estados Unidos, hijo de una madre judía.



Su infancia fue bastante solitaria y nunca destacó en el colegio por ser un buen estudiante. A pesar de ello se matriculó en la Universidad de Wisconsin para cursar Filosofía. En esa etapa comenzó a actuar en grupos de teatro.
Antes de convertirse en estrella trabajó durante largo tiempo como carpintero.
A mediados de los años 60 se trasladó a California para intentar convertirse en actor profesional. 
En sus inicios como intérprete actuó en episodios de conocidas series como "El Virginiano", "Ironside" o "Kung-Fu", y en breves papeles cinematográficos en el western de Phil Karlson "La Cabalgada De Los Malditos" o en "American Graffiti" de George Lucas.

Ford dando vida a Han Solo

En 1976, a pesar de sus reticencias en cuanto a contratar actores desconocidos para la película, la Twentieth Century Fox acepta que Harrison Ford sea escogido para encarnar a Han Solo en la que se convertirá en una gran saga del cine: Star Wars.
Con un sueldo de 650.000 dólares, esta película le permite abandonar finalmente su oficio de carpintero y concentrarse plenamente en su carrera artística. 
A pesar del fracaso prematuramente anunciado por la Fox, la primera entrega de Star Wars, conocida inicialmente como La guerra de las galaxias y más tarde como Una nueva esperanza se convierte en un éxito enorme.


A finales de los años 1970, Harrison Ford y Steven Spielberg trabajan en su próxima producción: una película que rinde homenaje a los seriales de su infancia.
Al elegir actor, Spielberg tuvo una discusión con Geoge Lucas (director de Star Wars), ya que Lucas no quería renunciar a su Han Solo, Ford, pero finalmente Spielberg consigue persuadir a Lucas de que la mejor decisión para interpretar a "Indy" (así llaman sus amigos a Indiana Jones), es Ford. 
Había nacido Indiana Jones. 

Ford interpretando al famoso arqueólogo:
Indiana Jones

Para interpretar al aventurero, Ford debe aprender a manejar el látigo y prepararse físicamente para un rodaje agotador. Muestra para Indy el aspecto de aventurero con barba de tres días y una vieja cazadora de cuero, sin olvidar los que se convertirán en sus signos distintivos, el sombrero gastado y el látigo. Caracteriza así a un personaje polifacético: valiente pero romántico, divertido y a veces frágil.

Spielberg y Ford lanzan una trilogía (por orden de estreno):

Indiana Jones en busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark), Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom) e Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade).

Aunque en 2008 se estreno el poco popular: Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull)

Ford protagonizo más tarde numerosas peliculas pero si estais más interesados, aquí os dejo su filmografía:
http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Filmograf%C3%ADa_de_Harrison_Ford

¿Sabías que?

-Con más de cinco mil seiscientos millones de dólares recaudados en todo el mundo por sus películas, Ford es el actor con mayores ingresos en taquilla de la historia.

-En 1998 fue elegido, con cincuenta y seis años, el hombre vivo más sexy del mundo por la revista estadounidense People.

Firma de Harrison Ford

The Jewish Cinema

Jerry Lewis

Joseph Levitch mejor conocido como Jerry Lewis, fue uno de los mayores comediantes de los años 50 y 60, que revitalizó con ingenio la antigua tradición del slapstick y el absurdo.
Es conocido por sus actuaciones en:
El Profesor Chiflado (original) (que si no la habéis visto, no se a que esperáis), Loco por Anita, El Botones etc.

Lewis nació el 16 de marzo de 1926 en Newark, New Jersey, Estados Unidos, en el seno de una familia de comediantes judíos.


Siendo sus progenitores cómicos, al joven Joseph no le quedaba otra que convertirse desde su más tierna infancia en actor acompañando primero a su familia y posteriormente emprendiendo una carrera en solitario hasta su encuentro con el cantante Dean Martin. Ambos actuaban por separado a mediados de los años 40 en Atlantic City, hasta que en una ocasión Lewis invitó a Martin a aparecer juntos en escena.
Sus números, que compaginaban la comedia y la música, fueron un éxito y la pareja Martin/Lewis se convirtió pronto en una celebridad dentro del circuito cómico del país estadounidense.

Esta gran popularidad fue aprovechada por la industria del cine y así Lewis y Martin lograron debutar a finales de la década en la gran pantalla con "My Friend Irma" (1949), lo que les "lanzó" a la popularidad en el cine. En total realizaron diecisiete películas juntos.

Tras "Loco Por Anita" y como las relaciones eran cada vez más tensas entre los dos ex amigos (ya ni se dirigían la palabra por esas fechas), decidieron seguir su camino en solitario tras una actuación de despedida el día que celebraban su décimo aniversario como pareja artística. El 25 de julio de 1956 el dúo Martin/Lewis dejó de existir.

La ruptura alentó a Lewis a entregarse aún más en cuerpo y alma al mundo del cine ya que amplió su faceta de actor con la de productor, guionista y director.

El famoso dúo de Lewis y Martin.

Su primer esfuerzo como guionista y dirección fue cumplimentado con la estimable "El Botones" (1960), un film alabado incluso por el propio Charles Chaplin.


Más tarde lo más interesante fue el homenaje que le rindieron Martin Scorsese y Robert De Niro en "El Rey De La Comedia" (1983), película en la que Lewis ofreció una de sus mejores interpretaciones.

En los años 70 Lewis perdió atractivo para el público e inteligentemente se retiró durante un largo tiempo del cine, dedicándose a la escritura, la television y al teatro.

Jerry Lewis, un artista que había sido poco estimado por la crítica de su país natal, fue revalorizado con vigor por los influyentes componentes de la revista francesa Cahiers du Cinema, que lo destacaron como uno de los grandes autores en la historia del cine sonoro dentro del campo de la comedia.

¿Sabías que?

- Ya que Lewis era una persona muy comprometida, fue nominado al Premio Nobel de la Paz en 1977.

- Durante el tiempo que pasó aislado del cine, entro en el mundo de la televisión con su propio programa, aunque aquí también fracasó.

Aquí os dejo su filmografía:
http://www.todocine.com/bio/51/00037451.htm

Firma de Lewis

The Jewish Cinema